El reportaje fotográfico

Una fotografía puede tener sentido por sí misma, pero en la mayoría de las ocasiones, un conjunto de imágenes con el mismo motivo puede ayudar mejor al espectador a formar una opinión sobre el hecho que se está documentando. Éste sería el principio del reportaje.

Reportaje es un conjunto de fotografías y texto escrito dentro de una unidad física compuesta por una o varias páginas a lo largo de las cuales se respeta caprichosa, sin orden o coherencia. El reportaje requiere una organización a la hora de disponer las imágenes para que transmitan una lectura ordenada de las mismas.

Podemos empezar a hablar de reportaje fotográfico propiamente dicho en Alemania en la década de los años '20. En casi todas las ciudades del mundo empezaban a editarse revistas ilustradas, lo que fue posible gracias a tres hechos fundamentales:

·         La aparición de cámaras más pequeñas y manejables que permiten tomar imágenes instantáneas y más naturales.

·         La colaboración conjunta de los redactores jefes y de los fotógrafos que daba como lugar un trabajo o resultado conjunto compuesto por textos e imágenes como un todo coherente.

·         La gran libertad de iniciativa que empieza a tener el fotógrafo.

Dr. Salomon. Es uno de los mejores reporteros alemanes de los años '20-'30. Era abogado y, casualmente, entra a trabajar en una agencia de publicidad. Entra en el mundo de la fotografía de manera casual. Los temas que usaba para sus fotografías eran sobre gente importante, famosos, políticos,... Los retrataba en actitudes informales, más relajadas y naturales. Se las ingeniaba para sacar la fotografía de la manera más natural posible. Salomon hizo muchas fotografías a las que llamó en su conjunto Contemporáneos Célebres captados en momentos inesperados (1930). No tiene en cuenta la teórica sino que trata la fotografía sincera. Su carrera fotográfica fue muy corta (1928-1933), pero deja un buen grupo de seguidores que se agrupan en torno a una agencia llamada Depoth. En esta agencia destaca Felix H. Man, que comienza haciendo reportajes muy populares. Su trabajo más importante es el que lleva por título Un día en la vida de Mussolini.

Hitler llega al poder y muchos fotógrafos alemanes huyen. Hay una fuerte censura hacia la prensa gráfica, que disminuye en calidad en Alemania, mientras que aumenta en aquellos países donde se acogen a estos fotógrafos que huyeron. Es el caso de la revista francesa Vu, fundada por Vogel, cuya especialidad era la fotografía de países de manera crítica y progresista. Al accionariado de la revista no terminó de gustarle esta idea, por lo que Vogel fue destituido. Finalmente, la revista fracasa.

Con la desaparición de Vu, decae la prensa gráfica en Europa. Es entonces cuando nace Life en 1936, en Estados Unidos, cuyo objetivo era reflejar aspectos humanos en imágenes que no fueran evidentes a los ojos del ser humano. El éxito de la revista se debía en gran parte a su organización. Los contenidos fotográficos eran revisados por Hicks, quien elaboraba para los fotógrafos un pequeños guión determinando qué imágenes quería y cómo las quería. Con la competencia de los nuevos medios audiovisuales, sobre todo la televisión, hacia 1960, comienza el declive de la revista, que termina cerrando en 1972. Life tuvo importantes colaboradores, como Eugene Smith, que colaboraba de manera muy asidua aunque no estaba de acuerdo con los

 ·         Objetivo macro. Son especiales, de aspecto normal, pero diseñados para enfocar desde infinito hasta 5 centímetros. Son caros y pesan mucho, pero dan bastante contraste y nitidez.

·         Tubos de extensión. Son anillas que se montan entre el cuerpo de la cámara y el objetivo. Sirve para aumentar la distancia entre el centro óptico de la lente y el plano focal, es decir, aumenta el tamaño del objeto.

·         Duplicadores. Su denominación correcta es teleconvertidores. Aumentan el tamaño del objeto a fotografiar por dos veces, por eso se le llama duplicador, aunque también los hay que multiplican por tres.

·         Fuelles de extensión. Sería igual que un tubo de extensión con la diferencia de que el fuelle es un elemento flexible, con lo que el objetivo se puede descentrar.

·         Lentes de aumento. Se trata de una especie de lupas que se enroscan al objetivo y sirven para aumentar el tamaño del objeto. Funcionan igual que los filtros, pero con la ventaja de que, al ser transparentes, no pierden luz. El problema que tiene es que esferiza la imagen, la deforma.

Para no perder nitidez a la hora de hacer una macrofotografía, debemos situar el diafragma por encima de 8 (8, 11, 16,...), aunque los tiempos de exposición sean mayores.

Algunos géneros fotográficos

NO ARTÍSTICA

Reportaje: El fotógrafo actúa seleccionando imágenes instantáneas que recogen acontecimientos humanos. No predomina la expresividad del fotógrafo, sino la del sujeto. Pero hemos de tener en cuenta que las actitudes del sujeto o su comportamiento o bien los acontecimientos son interpretables. Hay distintos tipos de reportaje y en todos ellos predomina la función informativa, ya que suele estar sujeto al texto.

Fotografía científica: Es fundamentalmente descriptiva. El fotógrafo no muestra sus sentimientos, sino que quiere demostrar o enseñar algo. A la fotografía se le pide que sea clara y limpia.

Fotografía publicitaria: El fotógrafo subordina su expresividad y su técnica a una finalidad, que es la de persuadir al espectador. Requieren una cuidadosa elaboración. No son instantáneas. No importa que el objeto sea artificial o que lo parezca. Nunca pueden prescindir del texto.

ARTÍSTICA

Retrato psicológico: El fotógrafo retrata al sujeto según le ve, como piensa que es.

Abstracción surrealista: La imagen se aleja de la realidad y se crean ambientes expresivos nuevos donde se desenvuelven los objetos.

Realismo formal. Tiene lugar cuando se hace una investigación de forma, textura, luz, color, perspectiva, encuadre, composición,... sin abstraer la realidad y sin mostrar los sentimientos del autor.

Abstracción formal: La forma llega a perder la conexión con el modelo que lo originó (pierde el referente con la realidad).

Científico-artística. Estudia el espacio, el tiempo, el movimiento y el relieve de forma científica y con finalidad estética.

Hay otra serie de imágenes que se consideran artísticas porque son bonitas, pero son casuales. Son las llamadas hallazgo casual.

EL DESNUDO

Von Gloeden fue un aristócrata que se dedicó a realizar desnudos (siglo XVIII). Utilizaba modelos masculinos (era homosexual), y se vio obligado a exiliarse a Italia. Cuando murió dejó todas sus fotos a su amante italiano. Otros retratistas de desnudo importantes fueron Schenk y Durien & Delacroix.

Consejos a tener en cuenta a la hora de realizar un desnudo:

·         Es importante que el modelo esté cómodo, tanto o más que en un retrato común. Debe haber confianza. Hay que explicarle lo que se va haciendo y por qué. Suele haber un ayudante que es el que arregla los focos, al modelo,... No debe haber público. La música ayuda a crear un ambiente agradable. No debemos caer en el mal gusto, ya que erotismo y pornografía van muy unidos. Si el modelo va maquillado hay que tener cuidado, ya que pueden quedar muy marcadas las zonas que llevan maquillaje y resaltarse así las que no lo llevan. Si el modelo se depila deberá hacerlo con tiempo para evitar que no se queden marcas en la piel. La temperatura tiene que ser agradable para el sujeto, que no pase frío ni calor. Intentaremos que el modelo se desnude de 15 a 20 minutos antes de retratarle, para que no queden las marcas de ropa en la piel.

·         Técnica. La película que mejor resultado da es la de 100 ASA, aunque con una de 400, que proporciona mayor grano, puede quedar bien.

·         Objetivo. El gran angular sacará al modelo en su entorno o distorsionado. El teleobjetivo ayuda a fragmentar el cuerpo y a mantenerse más lejos del modelo.

Balance de Blancos

El balance de blancos se refiere al ajuste a la temperatura del color que se puede aplicar sobre una fotografía y se mide en grados kelvin.
Las cámaras digitales tienen la posibilidad de hacer una corrección automática de este parámetro seleccionando auto en el menú de balance de blancos o AWB (Auto White Balance).
Si utilizamos nuestra cámara en modo automático total, seguramente el balance de blancos también será automático.
Algunas cámaras nos permiten hacer ajustes en el balance de blancos de forma manual para corregir el color a la hora de tomar fotografías en situaciones específicas de luz.
El ajuste manual del balance de blancos se representa en las cámaras con pequeños íconos. Para que los colores se reproduzcan con la mayor exactitud posible, debemos de seleccionar el ícono adecuado dependiendo de la situación de luz en la que nos encontremos.
Cuando tomemos fotos en exteriores en días despejados debemos ajustar nuestro balance de blancos a una temperatura de aproximadamente 5500 grados kelvin, esto lo conseguimos seleccionando el ícono de un sol en nuestras opciones de balnace de blancos.
Si estamos tomando fotografías en un día nublado las fotos tienden a salir azulosas, para corregir esto, seleccionamos un ícono con una pequeña nube.
Dependiendo de el modelo de cámara digital que tengamos, tendremos más o menos íconos para seleccionar la temperatura del color adecuada, el ícono de una bombilla sirve para corregir el color para tomas fotográficas en interiores con luz de tugsteno, el ícono de una casa o un arbol creando sombra lo debemos seleccionar cuando tomamos fotos con en la sombra durante un día soleado.

Megapixeles

Los megapixeles, es el número de millones de pixeles que el sensor de una cámara digital es capaz de capturar a la hora de tomar una fotografía.

Estos megapixeles nos sirven para medir la resolución de una fotografía, una cámara con un sensor de 1 megapixel produce fotografías de baja resolución mientras una cámara de 6 megapixeles o más nos puede producir archivos de alta y de baja resolución.

Una cámara digital de 6 megapixeles produce un archivo que tiene 2000 pixeles de alto por 3000 pixeles de ancho (2,000 x 3,000= 6 millones).

Las empresas fabricantes de cámaras digitales han abusado de este término para publicitar sus productos. Tomar una fotografía con una cámara de 10 megapixeles no implica que nuestra foto vaya a tener buena calidad. El sensor que va a capturar nuestra imagen puede ser de baja calidad, como en el caso de algunas cámaras de teléfonos celulares.

Por eso hay que tener en cuenta la calidad del sensor y no solo la resolución a la hora de comprar una cámara digital.

Para hacer una impresión de una fotografía en una impresora casera de inyección de tinta a tamaño carta es suficiente un archivo de 1.8 megapixeles y la mayoría de las personas no necesitan imprimir fotografías más grandes que tamaño carta, por lo que una cámara de 5 o 6 megapixeles con un sensor de alta calidad será suficiente para tomar e imprimir buenas fotografías.

Enfoque en la fotografía

El enfoque en fotografía digital se refiere a un punto específico a una distancia determinada en donde los objetos de nuestra fotografía aparecerán bien definidos y con mucho detalle. Adelante y atrás de este punto los objetos se verán borrosos o desenfocados.

Para que una foto de una persona luzca bien enfocada, es necesario buscar hacer el enfoque en los ojos o en la cara de la persona que estamos fotografiando.

La mayoría de las cámaras digitales tienen enfoque automático que ocurre cuando presionamos a la mitad el disparador de nuestra cámara, después de unas fracciones de segundo, la cámara nos dá un aviso de que el enfoque se realizo exitosamente y que podemos presionar por completo el disparador para tomar la foto.

Generalmente, las cámaras con autoenfoque, miden la distancia y enfocan al objeto que se encuentre más cercano a la cámara siempre y cuando este objeto o persona este en el area central del cuadro.

Para que una cámara pueda enfocar, es necesario que haya buena luz y de preferencia que haya muchos colores y texturas en la foto que queremos tomar. Algunas cámaras emiten una luz infrarroja para facilitar el enfoque automático en situaciones con poca luz o con poco contraste y texturas.

Fotografía Acuática

Podríamos hablar de fotografía submarina y centrarnos en los peces y especies acuáticas. Podríamos hablar de olas gigantes y surferos atrapados en ellas. Podríamos hablar de la fotografía que hacemos con nuestras desechables de 24 exposiciones o de la nueva gama de cámaras todo terreno cada vez más en alza sobre todo en estas fechas.

Podríamos, pero no lo vamos a hacer, porque hoy nuestro viaje comienza a dos centímetros por debajo de la superficie del agua. Ahí donde nuestro mundo se torna mágico. Al sumergir la cabeza, ya sólo con escuchar otro sonido, nuestra percepción de la vida nos cambia. Damos paso al sosiego, a la lentitud en los movimientos, al suave vaivén de las corrientes bajo las aguas.
Son muchos los fotógrafos que han desarrollado su actividad en el agua consiguiendo imágenes muy atractivas precisamente porque nos presentan un escenario al que muy pocas veces tenemos acceso. No porque no podamos entrar en él, sino porque a veces en nuestras horas de buceo nos centramos más en la búsqueda de peces que en imaginar una vida bañados en agua.

En mi búsqueda por dar a conocer algún autor entrado en años, me topé con la figura de Bruce Mozert que centró su trabajo bajo las aguas en los Cayos de Florida. Con una estética que haría recordar a Esther Williams, sin embargo en la mayoría de los casos, sus fotografías consistían en recrear situaciones cotidianas y deportivas debajo del mar.

La Fotografía Periodística y Documental

El origen del fotoperiodismo se encuentra estrechamente ligado a la denominada fotografía documental . El sustento teórico y práctico de la actividad fotoperiodística se desprende y alimenta del postulado dogmático de que la fotografía documental (en su atribución de garantía testimonial de la verdad), se vincula indefectiblemente al compromiso de no modificar ni influir sustancialmente la realidad.

Inclusive, la confusión de algunos fotógrafos contemporáneos los conduce a asegurar todavía, que el método de la fotografía documental es la fotografía directa , y que este modo de acercarse neutralmente a la realidad, evita su manipulación y la prevalencia de lo estético sobre el simple registro de los acontecimientos sociales.

Las declaraciones de los autores de la exposición New Topographics presentada en la George Eastman House de Rochester en 1975, ilustran fehacientemente dicha confusión:

“Bevan Davis hablaba del << esfuerzo hecho para que la cámara vea casi por ella misma >> . Lewis Baltz: << Quiero que mi trabajo sea neutral y libre de cualquier postura estética o ideológica >> . Joe Deal: << Las preferencias personales y los planteamientos éticos actúan como una interferencia en la imagen >>. 

Sin embargo, al observar con detenimiento la praxis sociológica de la fotografía documental en el contexto histórico de su aparición, encontramos datos reveladores que aportan información contraria a los preceptos convencionales 

“El documental es un enfoque y no una técnica; es una afirmación y no una negación…La actitud documental no es el rechazo de elementos plásticos, que deben seguir siendo criterios esenciales en toda obra. Solamente da a esos elementos su limitación y su dirección. Así, la composición se transforma en un énfasis, y la precisión de línea, el foco, el filtro, la atmósfera –todos esos componentes que se incluyen en la ensoñada penumbra de la << calidad >> -, son puestos al servicio de un fin: hablar, con tanta elocuencia como sea posible, de aquello que debe ser dicho en el lenguaje de las imágenes”

Esta cita atribuida al director de la Farm Security Administration, Roy E. Stryker,* constata que la fotografía documental desde su génesis socio-económica se conformó como un punto de vista, un enfoque, un estilo, que jamás negó los elementos estéticos de la fotografía ni tampoco el carácter subjetivo que la distingue. Es pertinente añadir que los aspectos de respeto y sensibilidad ante los fenómenos sociales no son privativos de la fotografía abordada desde la perspectiva documental de aquel entonces, sino del trabajo fotoperiodístico de todas las épocas de la sociedadfotográfica .

De lo anterior se deduce, que el fotoperiodismo no es sinónimo de fotografía documental. Ésta adquiere esa designación exclusivamente por la intención que persigue; la de convertirse en un momento determinado en documento visual. Además del sentido documental, la actividad fotoperiodística profesional puede adoptar múltiples puntos de vista para abordar los acontecimientos de interés general: compromiso social, denuncia, carácter testimonial, etc.

En resumidas cuentas, toda fotografía periodística que tenga el carácter, el estilo, y la intención documental, sólo puede ser comprendida y definida como tal, por el uso social que se haga de ella. Es decir, toda fotografía, incluyendo a la fotoperiodística, puede producirse, leerse e interpretarse desde una perspectiva documental.

“Así, cualquier foto puede ser entendida como un documento si se infiere que contiene información útil sobre el tema específico que se estudia”